Selama beberapa bulan terakhir saya telah menanyakan tiga pertanyaan yang sama kepada 15 seniman Israel – dan terpesona dengan beragamnya jawaban.
Sementara beberapa seniman mencari orisinalitas, yang lain membuktikan bahwa hal itu bukanlah esensi dari penciptaan dan motivasi mereka untuk berkarya. Namun, beberapa seniman secara sadar merujuk kepada seniman masa lalu, mengutip metode kerja mereka, tetapi memberikan sentuhan pribadi pada karya tersebut.
Selama ribuan tahun dalam sejarah seni, orisinalitas tidak selalu menjadi komponen kunci kesuksesan. Namun, kita semua tahu lukisan Rembrandt atau Monet dan bukan seniman yang mengikuti gaya mereka.
Dalam kolom ini, dalam seleksi subjektif saya, saya mencoba memilih seniman-seniman yang karya-karyanya menonjol dan melekat pada penonton, yang karya seninya – sekali dilihat – tidak dapat diabaikan.
Tiga seniman setuju untuk menjawab tiga pertanyaan saya:
1. Apa yang menginspirasi Anda?
2. Apa yang kamu sebut seni?
3. Menurut Anda, apa yang membuat karya seni Anda berbeda dari karya seni seniman lain?
Yosi Mark
Yossi Mark belajar filsafat dan ilmu sosial di Universitas Tel Aviv dan melukis di Institut Avni. Lahir pada tahun 1954, ia tinggal dan bekerja di Petah Tikva. Ia telah memamerkan karyanya di berbagai pameran tunggal dan kelompok dan merupakan pendiri, guru, dan direktur Institut Seni Visual di Museum Seni Petah Tikva.
Pada tahun 2010, ia dianugerahi Penghargaan Kementerian Kebudayaan dan Olahraga dalam Seni Visual; pada tahun 2017, Penghargaan Kementerian Kebudayaan dan Olahraga dalam Seni Visual; dan pada tanggal 24 Juni di Museum Seni Tel Aviv, Penghargaan Shiff untuk Seni Figuratif-Realistis 2024. Dipilih dari lebih dari 160 seniman, penghargaan tersebut mencakup hibah sebesar $10.000 dan pameran tunggal di Museum Seni Tel Aviv yang dijadwalkan pada tahun 2025.
Kutipan mereka tentang prestasi seniman tersebut berbunyi, “…seniman Israel yang kawakan dan dicintai. Karya-karyanya menawarkan pengalaman yang memukau, memadukan tampilan menawan dari kontrol total dengan tampilan introspektif dari pensil langka, akrilik, dan minyak.”
Berbicara dengan MajalahMark menjelaskan bahwa ia sangat terikat dengan teknik para maestro Venesia kuno. Dengan satu perbedaan: “Pada tahap kedua melukis, mereka menggunakan temper dan saya menggunakan akrilik. Namun seperti mereka, saya mulai dengan menggambar dengan pensil. Kemudian, hasilnya ditunjukkan melalui lapisan akrilik dan minyak.” Tujuannya adalah untuk mencapai efek yang relatif transparan. Mark mempertahankan karya-karyanya dalam warna monokromatik.
Ia dikenal karena pendekatannya yang sangat humanis dan presisi yang tinggi. Setiap lukisan membutuhkan waktu berbulan-bulan untuk dikerjakan. Ia menggambar figur hidup, berdasarkan pengamatan. Mark memeriksa modelnya dengan sangat teliti. Ia mengukur – secara harfiah – setiap milimeter figur tersebut, meninggalkan tanda pengukuran yang terlihat pada lukisan yang telah selesai.
Mark juga tradisional dalam gaya hidupnya; dia tidak memiliki situs web atau Instagram. “Saya berusaha menghindari koneksi digital sebisa mungkin. Saya lebih suka yang pribadi,” jelasnya kepada saya. “Saya tidak punya ponsel. Saya sekarang menggunakan milik istri saya sejak saya menerima hadiah dan orang-orang menelepon.”
INSPIRASI: “Momen-momen yang intim dan tidak dipentaskan menarik perhatian saya. Episode-episode kontemplasi yang hening ini tertanam dalam ruang yang tenang dan terkumpul, menuntut introspeksi. Ini adalah gambaran sekilas tentang keberadaan yang sederhana dan telanjang.
“Demikian pula, saya menemukan inspirasi dalam karya-karya maestro besar, baik masa lalu maupun masa kini: Giovanni Bellini, Andrea Mantegna, Caravaggio, George de La Tour, Edward Hopper, Andrew Wyeth, dan lain-lain.
“Mereka menangkap pengalaman visual yang hidup yang menumbuhkan rasa keintiman, terjalin dengan kontemplasi puitis dan spiritual tentang keberadaan, esensi, dan kondisi manusia.
“Semua elemen ini – yang intim, yang introspektif, gaung para maestro – menyulut perhatian visual saya, mendorong saya menuju kondisi konsentrasi yang terfokus. Mereka adalah katalisator yang memicu proses kreatif saya.”
MAKNA SENI: “Bagi saya, seni adalah entitas hidup yang berusaha menciptakan cermin yang mendalam. Seni mengajak pemirsanya dalam perjalanan mendalam yang melibatkan indra, emosi, dan kecerdasan mereka, sekaligus menjaga keseimbangan yang harmonis antara bentuk dan konten. Seni berfungsi sebagai jembatan antara cara kita mengetahui sesuatu (epistemologi), hakikat realitas (ontologi), dan pengalaman hidup (fenomenologi). Seni adalah pengembaraan seniman yang berkelanjutan, konfrontasi dengan realitas yang berusaha menangkapnya, lalu merumuskannya kembali sebagai kebenarannya sendiri.
“Seni visual tumbuh subur saat penglihatan melampaui wawasan, dan dalam kondisi terbaiknya, karya seni memiliki kekuatan transformatif dan menggugah yang mengubah kesadaran pemirsanya.
“Baru setelah itu, hal itu menjadi wadah yang layak untuk direnungkan.”
SENI MARK: “Meskipun karya saya berakar pada realisme, mengamati dan merefleksikan kenyataan, karya saya dengan sengaja menghindari peniruan permukaan yang murni ilusi. Hal ini berbeda dengan pendekatan yang lebih lazim dilakukan oleh banyak pelukis realis. Saya menerjemahkan realitas empiris, dalam pengertian visualnya yang paling langsung, ke dalam susunan formal garis, nada, dan bentuk. Saya menekankan aspek morfologi dan tektonik subjek, dengan menggunakan penggunaan warna yang terkendali. Proses saya disengaja dan diperluas, meninggalkan jejak perancah yang menopang keseluruhan gambar. Tanda-tanda ini hadir sebagai infrastruktur yang terlihat pada lukisan akhir. Pendekatan ini bertujuan untuk memadatkan dan menyaring gambar.
“Elemen pembeda lain dalam karya saya adalah dialog antara narasi dan bahasa. Sosok-sosok dalam lukisan saya memancarkan rasa kasih sayang, kehangatan, dan empati melalui ekspresi, tatapan, bahasa tubuh, dan postur mereka. Hal ini mencerminkan pola pikir eksistensial yang mendasari karya saya.”
Karena artis tidak memiliki situs, lihat: chelouchegallery.com/artists/yossi-mark/
Gili Avissar
Seorang seniman multidisiplin yang lahir di Haifa pada tahun 1980, Gili Avissar meraih gelar BFA dan MFA dari Bezalel Academy of Art and Design di Yerusalem. Ia telah menciptakan instalasi tekstil, patung, pertunjukan, dan video berskala besar.
Setelah lebih dari 20 tahun tinggal dan bekerja di Tel Aviv, dua tahun lalu ia memutuskan untuk kembali ke kampung halamannya, di mana ia baru-baru ini membuka pameran tunggal bertajuk “Pardes” di Museum Hecht, di Universitas Haifa. Dia menggunakan ruang (750 meter persegi) lantai arkeologi sebagai studionya, mempersiapkan pertunjukan selama lebih dari dua bulan. Avissar suka memasukkan ruang eksposisi dalam karya seninya.
Karya seninya intens dan penuh warna, sangat jelas. Sang seniman mengumpulkan sisa-sisa kain, kertas, kayu, karton, dan bahan plastik “yang tersedia di mana-mana”. Memberi mereka bentuk, dia menciptakan objek baru.
Dilihat dari instalasinya, tampak seperti dialog antara pembuatan objek dan pertunjukan. Avissar senang berkolaborasi dengan seniman dari berbagai disiplin ilmu, termasuk penari. Di atas itu, ia memasukkan unsur fesyen, yang mengingatkan pada pendidikan sebelumnya (saat remaja, ia belajar fesyen di sekolah menengah dengan profil artistik di Haifa). Meskipun ia tidak mengejar karir sebagai perancang busana, hal itu meninggalkan jejak dalam karya seninya. Dia menggunakan tekstil dan tubuhnya sendiri, sering kali berdandan sebagai bagian dari instalasi dan pertunjukannya.
Berbicara kepada Majalah tersebut, ia juga mengakui bahwa ia menikmati menonton acara karpet merah dan peragaan busana, namun, seperti yang ia katakan: “Dalam seni, saya menemukan kebebasan saya.”
Avissar adalah penerima Penghargaan Seniman Muda dari Kementerian Kebudayaan dan Olahraga (2012); Penghargaan Rabinovich Art Foundation (2012, 2010), dan banyak lagi. Karya seninya telah dipamerkan di banyak museum dan galeri di Israel, Jerman, Czechia (Republik Ceko), dan Amerika Serikat.
INSPIRASI: “Inspirasi ada dimana-mana, atau saya lebih suka menggunakan kata 'motivasi'. Apa yang memungkinkan Anda bertindak dan berkreasi? Situasi tegang di Israel membuat saya bertindak, hubungan antar manusia membuat saya bertindak. Kata 'inspirasi' terdengar seperti hanya hal-hal indah dan orang-orang yang dapat membuat Anda berkarya, namun yang terjadi justru sebaliknya. Mungkin dengan berkreasi dari keburukan, Anda menjadikannya lebih cantik.”
MAKNA SENI: “Biasanya saya menyebut seni (benda) yang berada jauh di luar museum dan galeri, karena seni bagi saya ada di luar sana. Baik itu alam maupun manusia, saya senang melihat segala sesuatu yang ditawarkan dunia. Saya sering melihat seni sejati di alam, dan bertanya-tanya bagaimana benda-benda itu dibuat, siapa yang menciptakannya, dan siapa senimannya.”
SENI AVISSAR: “Saya merasa sulit untuk membedakan diri saya atau karya seni saya dari orang lain. Sebagai seorang seniman, Anda bekerja di lingkungan yang sangat sepi setiap hari, sekaligus menjadi bagian dari komunitas seniman. Anda berhubungan dengan apa yang Anda lihat di sekitar Anda. Anda mungkin merasa unik, tetapi Anda juga merupakan bagian dari sesuatu yang lebih besar. Saya merasa berbeda tetapi sangat mirip, dan ada ketegangan yang nyata di sana.”
www.instagram.com/giliavissar/
Tal Shoshan
Seorang pematung, seniman pertunjukan, dan seniman gambar, Tal Shoshan lahir di Haifa pada tahun 1969. Setelah wajib militer, ia pindah ke Yerusalem, London, Tel Aviv, dan Ramat Gan, kemudian menetap 12 tahun lalu di Givatayim.
Shoshan memiliki gelar BA dari Akademi Seni dan Desain Bezalel di Departemen Perhiasan dan Aksesori Pakaian, dan MA dari Wimbledon College of Art, London. Dari tahun 2007-2014, Shoshan mengepalai bidang pakaian dan aksesoris di Departemen Desain di Seminar Kibbutzim. Dia adalah pemenang hibah Mifal HaPais (2017) dan Handler Prize (2014), dan telah berpartisipasi dalam banyak pameran tunggal dan kelompok di Israel dan luar negeri.
Sebagai pematung, ia bekerja dengan berbagai tekstil, dan dalam konten seninya ia mengacu pada sastra dan alam. Dia menggunakan bahan-bahan lembut untuk sering menunjukkan pesan-pesan sulit kepada pemirsa. Dalam pamerannya saat ini, “Over Night,” di Galeri Chelouche, dia menggunakan potongan handuk kamar mandi untuk membuat patung. Dia mengungkapkan betapa semuanya hanya sementara. Sebuah tenda tunggal. Sisa-sisa api unggun. Sebuah kantung tidur. Sebuah polong biji yang besar. Objek-objek tersebut merupakan tanda-tanda yang fana dan hancur dari apa yang dulunya merupakan sebuah cerita yang solid.
“Saya menciptakan lanskap yang berubah dari hal pribadi ke hal universal, dari keterlibatan pribadi ke lingkungan yang penuh kekerasan dan meresahkan yang kita temukan dalam kehidupan sehari-hari,” ungkapnya kepada Majalah.
INSPIRASI: “Aku menemukan inspirasi dalam segala hal yang ada di sekelilingku: kalimat yang terngiang-ngiang di kepalaku dan tak mau lepas, sehelai daun yang jatuh ke tanah, baju anakku yang terlupakan di lemari, aksi kreatif seseorang yang aku hargai. , semua jenis peta, dan bahan yang berbeda. Sumber inspirasi yang paling kuat adalah isu-isu yang menyebabkan saya merasa gelisah dan berkonflik – pada tingkat pribadi, politik, atau sosial, hal-hal ini akan mengikuti saya ke studio dan mengharuskan saya untuk bereaksi. Sumber inspirasi saya yang paling gigih dan konsisten terkait dengan perjumpaan saya dengan alam dan tubuh manusia, yang menjadi bagian tak terpisahkan dari bahasa artistik saya.”
MAKNA SENI: “Sebuah karya seni yang baik tidak bergantung pada kata-kata dan teks. Ini harus membangkitkan indra Anda dan mengaktifkan Anda, melakukan dialog dengan Anda. Kata-kata itu akan muncul kemudian.
“Bagi saya, seni adalah kesempatan untuk bertemu dengan sisi yang tidak biasa dan luar biasa dari ciptaan dan kreativitas manusia, sisi yang menggerakkan irama dalam diri saya, pikiran, emosi, atau keinginan untuk disentuh. Sisi yang akan terus terputar di kepala saya dan sesuatu darinya akan tetap ada, meskipun hanya sebagian kecil. Partikel yang hampir tak terlihat itu akan terus berjalan bersama saya.”
SENI SHOSHAN: “Selama dekade terakhir, saya menemukan bahwa hal yang paling membuat saya terpesona adalah pencarian bahasa material untuk mengekspresikan ide yang sedang saya kembangkan dengan cara terbaik. Proses kerja saya panjang dan bervariasi, namun prinsipnya seringkali serupa – pencarian penuh semangat untuk bahasa visual yang paling tepat. Proses lambat ini memungkinkan saya menguraikan secara menyeluruh apa yang bisa berfungsi sebagai jangkar visual.
“Penguraian bahasa material mencakup proses penyelidikan yang panjang dan berlarut-larut seperti menggabungkan material baru, menguji dan memanipulasinya, serta mencari hubungan dan tindakan yang dapat mempengaruhi atau mengubahnya seperti penguraian, pembasahan, penjahitan, pemanasan.
“Material tidak kalah pentingnya dibandingkan dengan berurusan dengan bentuk dan ide – material dapat menjadi inti dari sebuah ide.”
www.talshoshan.com/
